Estreno de Festina Lente: Una reflexión sobre la prisa

Tabla de contenidos

• 1. Claves del estreno
• 2. La obra en escena
• 3. Concepto y mensaje de la obra
• 3.1 La importancia de la pausa
• 3.2 El abrazo como símbolo de resistencia
• 4. Proceso de creación de la obra
• 4.1 Residencia en el Ballet Hispánico de Nueva York
• 4.2 Colaboración con Ana Estrada y Amanda del Valle
• 5. Presentación en el Centro Nacional de las Artes
• 6. Eje conceptual: ‘Apresúrate despacio’
• 7. Temas abordados en Festina Lente
• 7.1 Desconexión en la vida moderna
• 7.2 Pérdida de gestos esenciales
• 8. Elementos simbólicos en la obra

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Este texto retoma y sintetiza información publicada por La Jornada (sección Cultura, 15 de agosto de 2026) sobre el estreno de la obra de Daniela Urías.

Claves del estreno

Estreno de Festina Lente 2026

• La coreógrafa Daniela Urías estrena Festina Lente el 15 de agosto, con una segunda función el 16, en el Cenart.
• El título alude a la locución latina “apresúrate despacio”.
• La obra cuestiona la prisa urbana y reivindica la pausa, la calma y el abrazo como resistencia.
• Es el resultado de un proceso de dos años que germinó en una residencia en el Ballet Hispánico de Nueva York.
• Un reloj “que vigila” y un universo visual de tonos apagados subrayan la presión del tiempo y la productividad.

La obra en escena

El estreno de Festina Lente marca un punto de llegada para la coreógrafa Daniela Urías: una pieza que, desde la danza contemporánea, pone en escena una pregunta insistente y cotidiana para quienes habitan las grandes ciudades: ¿en qué momento la prisa dejó de ser una circunstancia y se volvió una forma de vida?

La obra se presenta como una invitación a cuestionar la velocidad que domina la vida urbana y, al mismo tiempo, a reivindicar la pausa, la calma y el abrazo como formas de resistencia. No se trata de una consigna abstracta: el montaje se construye desde el cuerpo, desde la experiencia física de la urgencia y el cansancio, y desde la posibilidad —también corporal— de cambiar de cadencia.

Urías llega a este estreno tras un proceso sostenido. En ese trayecto, la pieza fue tomando forma desde laboratorios y exploraciones iniciales, hasta consolidarse en una versión que se desplaza a “territorio mexicano” mediante la plataforma de Efiartes, según explicó la creadora. El resultado se presenta en el teatro Raúl Flores Canelo, un espacio que, por su vocación pública, suele funcionar como punto de encuentro entre propuestas contemporáneas y públicos diversos.

Cadencias de tensión y presencia
Arco escénico para imaginar la experiencia en sala
1) Prisa (torpe): desplazamientos rápidos que no “rinden”; el cuerpo se tropieza con su propia urgencia.
2) Frenesí (punto de quiebre): la aceleración escala hasta volverse casi ingobernable; la tensión se acumula.
3) Quietud (búsqueda de otra cadencia): el movimiento intenta reorganizarse; aparece la posibilidad de presencia, escucha y contacto.
Señales a observar: cómo cambia la respiración/energía del elenco, cuándo el gesto mínimo se vuelve más elocuente que el desplazamiento, y cómo lo sonoro acompaña el tránsito de tensión→transformación.

En escena, la prisa no aparece como una metáfora lejana, sino como una condición que se encarna: cuerpos que se mueven rápido, pero con torpeza; una aceleración que escala hacia lo frenético; y, después, la búsqueda de la quietud, de otra cadencia. Ese arco —de tensión a transformación— es también el del estreno: una obra que no promete detener el tiempo, pero sí interrumpir, aunque sea por un momento, la obediencia automática a su mandato.

Concepto y mensaje de la obra

Festina Lente se sostiene sobre una idea central: la prisa no es sólo un ritmo personal, sino una lógica social que se instala en los cuerpos. Daniela Urías parte de una sensación íntima —estar acelerada— para reconocerla como experiencia colectiva. En su planteamiento, el tiempo no es algo que podamos detener; lo que sí puede ponerse en duda es la lógica que empuja a ir rápido.

Cuestionar la lógica de rapidez
Lo que Urías dice (y lo que ancla en la lectura de la obra)

• “El tiempo no es algo que podamos detener, pero nuestro entendimiento del tiempo, la lógica que nos hace ir rápido, esa sí podemos cuestionarla. Qué ideas se han insertado en nosotros como personas en una sociedad que nos exige esa rapidez”.

→ La obra no promete “parar el reloj”; propone revisar el mandato que convierte la velocidad en valor.

• “Hay mucha desconexión y prima la individualidad. Estamos perdiendo la capacidad de voltear a vernos, platicar, mirarnos, abrazarnos. Gestos que en ese ritmo acelerado se han olvidado”.

→ El foco no es sólo el cansancio: es el deterioro del vínculo.

• Sobre el abrazo: “no sólo es rodear con los brazos al otro. Es cómo puedo estar ahí resistiendo, generando comunidad y empatía desde la mirada, desde el contacto mínimo”.

→ El símbolo se entiende como práctica (mirada/contacto/presencia), no como gesto decorativo.

La obra, así, no se limita a representar el vértigo urbano: lo interroga. ¿Qué ideas se han insertado en las personas dentro de una sociedad que exige rapidez? ¿Cómo se traduce esa exigencia en gestos, posturas, modos de mirar y de relacionarse? La coreografía propone que la aceleración no es neutral: está dictada por una estructura que premia la productividad y normaliza la urgencia.

En ese marco, la pieza reivindica acciones mínimas como resistencia. La resistencia no se plantea como un gesto grandilocuente, sino como una práctica mínima: estar ahí, mirar, tocar, sostener. Urías lo formula desde el símbolo del abrazo, que en su lectura no se reduce a “rodear con los brazos al otro”, sino a generar comunidad y empatía incluso desde el contacto mínimo.

El mensaje se articula también desde el lenguaje escénico: un movimiento que puede ser gestual, mínimo, pero claro; una progresión que va del apuro torpe a la quietud buscada; y un entorno visual y sonoro que acompaña el recorrido emocional. En conjunto, Festina Lente propone una pregunta urgente: si no podemos frenar el tiempo, ¿podemos dejar de estar a su servicio?

La importancia de la pausa

La pausa, en Festina Lente, no aparece como descanso superficial, sino como una decisión. Urías plantea que, aunque el tiempo siga su curso, es posible cuestionar la lógica que obliga a vivir “a la carrera”. Esa distinción —entre el paso del tiempo y la interpretación social del tiempo— es clave: la obra no promete una fantasía de control, sino una reeducación de la atención.

En escena, esa idea se vuelve física. Los cuerpos atraviesan un estado de prisa que no es eficiente, sino torpe: la aceleración entorpece, desgasta, desordena. La pieza lleva ese impulso hasta un punto frenético para, después, buscar otra cadencia. La pausa se vuelve entonces un cambio de régimen: del automatismo a la conciencia, de la urgencia a la elección.

La pausa también se refleja en lo sonoro. El diseño sonoro y la música acompañan el tránsito emocional desde la tensión provocada por la prisa hacia una sensación de liberación y transformación. No es un simple “bajar el volumen” del mundo, sino un desplazamiento: permitir que el cuerpo encuentre un ritmo distinto al impuesto.

En ese sentido, la pausa funciona como una forma de resistencia cotidiana. No se trata de detener la ciudad, sino de abrir un espacio —en el cuerpo y en la mirada— para no responder siempre con la misma velocidad. La obra sugiere que ese espacio puede ser pequeño, pero significativo: un intervalo donde se recupera la posibilidad de estar presentes.

El abrazo como símbolo de resistencia

El abrazo es uno de los símbolos centrales de Festina Lente y, a la vez, una declaración política en clave íntima. Urías lo plantea como algo más complejo que el gesto literal de rodear a otra persona con los brazos. En su lectura, el abrazo es una manera de resistir: sostener al otro, generar comunidad, producir empatía desde la mirada y desde el contacto mínimo.

La obra conecta ese símbolo con un diagnóstico: la velocidad impuesta por el sistema económico y la sobreinformación ha erosionado gestos esenciales. En ese contexto, abrazar —mirar, platicar, voltear a ver— se vuelve un acto que contradice la lógica de la prisa y la individualidad. No porque sea romántico, sino porque exige tiempo, atención y disponibilidad.

En escena, el abrazo opera como contrapunto del frenesí. Frente a cuerpos que corren con torpeza y se empujan hacia un estado acelerado, el abrazo aparece como una posibilidad de otra relación: no instrumental, no productiva, no regida por la urgencia. Es un gesto que no “sirve” para llegar más rápido, pero sí para estar con alguien.

Urías insiste en esa dimensión mínima: resistir “desde el contacto mínimo”. La obra sugiere que, en una ciudad que obliga a pasar de largo, el abrazo —o su equivalente corporal— puede ser una forma de detener la inercia sin detener el tiempo. Un recordatorio de que el cuerpo no sólo produce: también siente, acompaña y se deja acompañar.

Proceso de creación de la obra

El proceso de creación de Festina Lente se extendió durante dos años y se construyó como una investigación corporal sostenida. Según Daniela Urías, las “semillitas” germinaron durante una residencia en el Ballet Hispánico de Nueva York, donde realizaron laboratorios y exploraciones. Ese primer impulso se transformó después en un trabajo de elaboración y construcción que, mediante la plataforma de Efiartes, permitió desplazar el proyecto a territorio mexicano.

Del laboratorio a la escena
Recorrido del proceso (con puntos de verificación)
1) Residencia (Ballet Hispánico, Nueva York): germen del proyecto y primeras “semillitas”.

• Checkpoint: ¿qué preguntas sobre prisa/cuerpo aparecen con claridad en el laboratorio?

2) Laboratorios y exploraciones: prueba de materiales de movimiento y de presencia escénica.

• Checkpoint: ¿qué acciones se sostienen sin volverse ilustrativas (gesto mínimo pero claro)?

3) Elaboración y construcción vía Efiartes: desplazamiento del trabajo a “territorio mexicano”.

• Checkpoint: ¿qué cambia al pasar de un contexto a otro (ritmo, referencias, escucha del entorno)?

4) Versión México (intérpretes con herramientas teatrales y contemporáneas): nuevas capas por contexto cultural y corporal.

• Checkpoint: ¿qué información del “vivir cotidiano” de la ciudad entra al cuerpo y reescribe la pieza?

5) Trabajo interpretativo con Catherine Correa (dramaturgia): extracción de historias de cansancio y prisa desde los intérpretes y traducción a lenguaje gestual.

• Checkpoint: ¿la escena conserva precisión sin perder humanidad (cansancio/prisa como experiencia, no como pose)?

La coreógrafa subraya que, aunque Nueva York y la Ciudad de México pueden parecer ciudades símiles por su ritmo y exigencia, el contexto cultural y los cuerpos cambian la obra. No es un detalle menor: el montaje no se concibe como un objeto fijo, sino como una estructura que se reescribe según quién la habita y desde qué herramientas interpretativas se construye.

En el Ballet Hispánico, explica Urías, el lenguaje está más apegado a la danza clásica. En México, convocó a intérpretes con herramientas teatrales y contemporáneas, lo que añade capas al material. Además, trabajar con personas que habitan la Ciudad de México en su vivir cotidiano aporta información concreta: la prisa no es un concepto, es una experiencia diaria que se filtra en el cuerpo.

El montaje también se apoyó en un trabajo interpretativo minucioso con la dramaturga Catherine Correa. De ese diálogo surgió un método: extraer de los cuerpos de los propios intérpretes historias de cansancio y prisa, y traducirlas a un lenguaje gestual mínimo pero claro. La obra, así, no “representa” a la ciudad desde afuera: la deja hablar desde los cuerpos que la atraviesan.

Residencia en el Ballet Hispánico de Nueva York

La residencia en el Ballet Hispánico de Nueva York fue el punto de partida del proceso creativo. Urías la describe como un privilegio: contó con “condiciones de oro” y con bailarines con total disposición y tiempo. En ese entorno, la obra comenzó a tomar forma a través de laboratorios y exploraciones, un espacio donde la investigación del movimiento podía sostenerse con continuidad.

Ese origen neoyorquino no es anecdótico. La propia creadora reconoce similitudes entre Nueva York y la Ciudad de México en términos de ritmo y exigencia. La prisa, en ambos casos, no es sólo un rasgo urbano: es una presión que organiza horarios, trayectos, expectativas. Sin embargo, la residencia permitió observar cómo esa presión se encarna de manera distinta según el contexto cultural y el tipo de formación corporal.

En el Ballet Hispánico, el lenguaje se encuentra más cerca de la danza clásica. Esa cercanía influye en la manera de articular el movimiento, en la relación con la técnica y en la forma de construir presencia escénica. La residencia, entonces, funcionó como un laboratorio inicial donde la idea de “apresúrate despacio” podía probarse en un cuerpo entrenado bajo otras lógicas.

A partir de ahí, el proyecto se desplazó y se transformó. La residencia no fue un molde que se replicó, sino un germen: un primer terreno fértil donde se ensayaron preguntas que, al llegar a México, encontrarían otras respuestas en otros cuerpos.

Colaboración con Ana Estrada y Amanda del Valle

Para la versión mexicana de Festina Lente se integraron Ana Estrada, como maestra ensayadora, y Amanda del Valle, como intérprete. Ambas participaron en la residencia cuando aún formaban parte del Ballet Hispánico, lo que crea un puente directo entre el origen del proceso y su aterrizaje en México.

Esa continuidad tiene un peso específico: permite que ciertas exploraciones iniciales —las preguntas, los hallazgos, los materiales— no se pierdan en el traslado, sino que se traduzcan. Estrada, desde el rol de ensayadora, aporta una mirada de acompañamiento y precisión sobre el trabajo corporal; Del Valle, desde la interpretación, encarna el tránsito entre lenguajes y contextos.

La colaboración también subraya una idea que atraviesa el proyecto: la obra cambia con los cuerpos. Urías insiste en que el contexto cultural modifica el resultado, y que convocar a intérpretes mexicanos con herramientas teatrales y contemporáneas añade capas. En ese entramado, la presencia de Estrada y Del Valle funciona como memoria del proceso y, a la vez, como motor de adaptación.

Más que una suma de nombres, la colaboración se entiende como parte del método: construir desde la experiencia, desde la escucha del cuerpo y desde el intercambio entre trayectorias. En una obra que habla de comunidad y empatía, el modo de producción —con sus vínculos y continuidades— también dice algo: la resistencia no sólo se representa, también se practica en cómo se trabaja.

Presentación en el Centro Nacional de las Artes

La elección del Centro Nacional de las Artes como sede de Festina Lente sitúa la obra en un circuito institucional que, por su naturaleza, suele concentrar propuestas escénicas contemporáneas y abrirlas a públicos amplios. La pieza se presenta en el teatro Raúl Flores Canelo, un espacio asociado a la danza y a la experimentación escénica, donde el cuerpo y su lenguaje suelen ocupar el centro de la conversación.

Guía rápida para asistir
Para asistir (rápido y útil)

• Ubica la sede exacta: Teatro Raúl Flores Canelo (Cenart).
• Confirma función y hora: sábado 15 (19:00) o domingo 16 (18:00).
• Llega con margen: la obra trabaja con transiciones de energía (prisa→quietud); entrar tarde suele romper el arco.
• Qué esperar del espacio: un teatro asociado a danza/experimentación; atención a luz, sonido y composición visual como parte del sentido.
• Qué observar en escena: cuándo la “torpeza” de la prisa se vuelve lenguaje, y cómo aparece el contacto (mirada/abrazo) como contrapunto.

En este caso, el lugar dialoga con el tema. Festina Lente cuestiona la prisa que domina la vida urbana; presentarla en un centro cultural dentro de la Ciudad de México —una de las referencias explícitas de la creadora al hablar de ritmo y exigencia— refuerza la lectura: la obra no habla de una abstracción, sino de un entorno que el público conoce en carne propia.

La presentación en el Cenart también permite entender el montaje como un acontecimiento situado. Urías señala que trabajar con personas que habitan esta ciudad en su vivir cotidiano brinda mucha información. Esa información no se queda en el ensayo: llega al escenario. El teatro se vuelve, entonces, un espacio donde la experiencia urbana se reorganiza en forma de movimiento, sonido, luz y símbolos.

Además, el Cenart funciona como un punto de convergencia de disciplinas. En Festina Lente confluyen coreografía, dramaturgia, diseño sonoro, vestuario, escenografía e iluminación.

En esta puesta, el vestuario es de Andrés Zepól; la escenografía y el diseño de iluminación, de Carolina Jiménez; y el diseño sonoro y la música, de Donovan Sierra. Esa suma de lenguajes es parte del mensaje: la prisa no se expresa sólo en el movimiento, también en el ambiente que lo rodea, en lo que “vigila”, en lo que desgasta, en lo que empuja.

En el teatro Raúl Flores Canelo, la obra despliega su recorrido: de la tensión a la búsqueda de quietud, de la aceleración torpe al intento de otra cadencia. En una ciudad que rara vez se detiene, la sala oscura ofrece una posibilidad: mirar el ritmo desde afuera, reconocerlo en los cuerpos y preguntarse —sin moralina— qué se podría cambiar.

Eje conceptual: ‘Apresúrate despacio’

El eje conceptual de la obra está condensado en su título: Festina Lente, una locución latina que significa “apresúrate despacio”. La frase, en apariencia paradójica, funciona aquí como una brújula: no niega la urgencia del mundo, pero propone otra manera de atravesarla.

Apresúrate Despacio: Sentido Escénico
Qué significa “Festina Lente” en esta obra

• Origen de la frase: locución latina traducida como “apresúrate despacio”.
• Paradoja útil (no decorativa): actuar y moverse, sí; pero sin convertir la velocidad en sinónimo de valor.
• Traducción a escena: el cuerpo muestra la prisa como torpeza y desgaste, y luego ensaya otra cadencia (quietud/presencia) sin prometer “detener el tiempo”.
• Idea-faro: cambiar la relación con el tiempo (la lógica que empuja a ir rápido), más que pelear contra el paso del tiempo.

Daniela Urías explica que este eje nace de una sensación personal que, al mirarla de cerca, resulta colectiva. “Todos tenemos una forma muy directa de relacionarnos con ir a la carrera, la urgencia, la prisa”, señala. La obra parte de ese reconocimiento: la prisa no es un accidente, es una relación aprendida con el tiempo.

La coreógrafa introduce una distinción decisiva: el tiempo no es algo que podamos detener, pero sí podemos cuestionar nuestro entendimiento del tiempo y la lógica que nos hace ir rápido. En otras palabras, el problema no es el reloj como fenómeno físico, sino el mandato social que convierte cada minuto en una exigencia de rendimiento.

Esa lógica, sugiere Urías, está insertada en las personas por una sociedad que exige rapidez. La obra no se limita a denunciar: pregunta. ¿Qué ideas sostienen esa exigencia? ¿Cómo se naturaliza? ¿Cómo se vuelve un reflejo corporal? En escena, la respuesta no llega como discurso, sino como experiencia: cuerpos que corren, tropiezan, se aceleran hasta lo frenético y luego buscan otra cadencia.

“Apresúrate despacio” se vuelve entonces una práctica: moverse sin obedecer ciegamente al impulso de acelerar; actuar sin quedar atrapados en la urgencia; estar con otros sin convertir el vínculo en trámite. El eje conceptual se encarna en la transición que propone la pieza: del servicio al tiempo —vivir para alcanzarlo— a una relación más crítica, donde la velocidad deja de ser la única medida de valor.

Temas abordados en Festina Lente

Festina Lente aborda temas que atraviesan la vida contemporánea en las grandes ciudades: la prisa como norma, la urgencia como identidad, el cansancio como estado permanente. Pero la obra no se queda en el diagnóstico; se concentra en lo que esa velocidad produce en los vínculos y en los gestos cotidianos.

Contrastes entre ritmo y vínculo
Contrastes que ordenan los temas de la obra

• Prisa → sensación de avance inmediato / Pausa → posibilidad de presencia (pero exige decisión y tiempo).
• Productividad → “medir” el valor por rendimiento / Vínculo → valor por cuidado, mirada y contacto (no siempre cuantificable).
• Sobreinformación → estímulo constante / Atención → selección y escucha (implica renunciar a responder a todo).
• Individualidad → autoprotección y aislamiento / Comunidad → empatía y sostén (requiere disponibilidad).
• Aceleración → energía alta que puede volverse frenesí / Quietud → otra cadencia que no es pasividad, sino reorganización.

Urías vincula la aceleración con dos fuerzas: la velocidad impuesta por el sistema económico y la sobreinformación. En ese cruce, la prisa deja de ser sólo un ritmo de agenda y se vuelve una forma de percepción: todo llega demasiado rápido, todo exige respuesta, todo compite por atención. El cuerpo, en consecuencia, se adapta: se tensa, se acelera, se desgasta.

La pieza también pone el foco en lo que se pierde. La coreógrafa habla de gestos esenciales que se han ido borrando: voltear a vernos, platicar, mirarnos, abrazarnos. La prisa no sólo cambia el paso; cambia la manera de estar con otros. En ese sentido, la obra se pregunta por la comunidad: ¿qué pasa cuando la individualidad prima y la desconexión se vuelve regla?

En el escenario, estos temas se traducen en un lenguaje gestual mínimo pero claro, construido a partir de historias extraídas de los propios intérpretes: cansancio, prisa entorpecida, urgencia que no conduce a ninguna parte. La obra muestra cuerpos que se mueven rápido, pero no necesariamente avanzan; cuerpos que, al acelerar, se vuelven torpes; cuerpos que, al final, buscan quietud.

El tema del abrazo aparece como respuesta posible, no como solución total. Abrazar, mirar, tocar: gestos que requieren tiempo y presencia. En una obra que reconoce que el tiempo no se detiene, esos gestos se vuelven una forma de recuperar agencia: no sobre el reloj, sino sobre la manera de habitarlo.

Desconexión en la vida moderna

La desconexión es uno de los efectos que Festina Lente pone en primer plano. Urías señala que la velocidad impuesta por el sistema económico y la sobreinformación ha generado un entorno donde “hay mucha desconexión y prima la individualidad”. La frase no se queda en el plano social: se vuelve corporal. La desconexión se expresa en cómo se camina, cómo se mira, cómo se evita el contacto.

En la obra, esa desconexión se relaciona con la urgencia constante. Cuando todo se vive como carrera, el otro aparece como obstáculo o como trámite. La posibilidad de detenerse a mirar o a conversar se reduce. En ese sentido, la pieza sugiere que la desconexión no es falta de tecnología o de canales de comunicación, sino falta de presencia: estar físicamente cerca, pero mentalmente ausente.

El montaje trabaja esta idea desde el movimiento: cuerpos que se desplazan con prisa, pero con torpeza; una aceleración que entorpece en lugar de facilitar. La desconexión se vuelve visible cuando el ritmo impide la coordinación, cuando el frenesí rompe la escucha, cuando la urgencia cancela el cuidado.

Frente a eso, la obra propone la búsqueda de otra cadencia. No como nostalgia de un pasado más lento, sino como posibilidad concreta: cambiar el ritmo para recuperar la mirada, el contacto mínimo, la empatía. La desconexión, entonces, no se presenta como destino inevitable, sino como condición que puede cuestionarse desde el cuerpo.

Pérdida de gestos esenciales

Urías afirma que la velocidad y la sobreinformación han hecho perder gestos esenciales: “Estamos perdiendo la capacidad de voltear a vernos, platicar, mirarnos, abrazarnos”. En Festina Lente, esa pérdida no se enuncia como lamento, sino como materia escénica. La obra se pregunta qué ocurre cuando esos gestos dejan de ser cotidianos y se vuelven excepcionales.

La pérdida se vincula con una lógica de productividad y urgencia. Si el tiempo se vive como recurso que siempre falta, los gestos que no “rinden” se recortan. Mirar a alguien a los ojos, detenerse a conversar, sostener un abrazo: acciones que requieren duración, que no se pueden acelerar sin vaciarlas. La obra sugiere que, en la prisa, esos gestos se vuelven incómodos o impracticables.

En escena, el lenguaje gestual mínimo pero claro busca recuperar el sentido de lo esencial. No se trata de grandes demostraciones, sino de acciones pequeñas que, en un contexto acelerado, adquieren peso. El abrazo, por ejemplo, se redefine: no sólo rodear con los brazos, sino resistir desde la mirada y el contacto mínimo, generar comunidad y empatía.

La obra también muestra el costo de esa pérdida: cuerpos cansados, historias de prisa entorpecida, un frenesí que no libera. Al final, la búsqueda de quietud aparece como un intento de reabrir espacio para esos gestos. No como receta, sino como pregunta: ¿qué tendría que cambiar para que mirar, platicar y abrazar vuelvan a caber en el día?

Elementos simbólicos en la obra

El universo simbólico de Festina Lente se construye con elementos que no sólo decoran, sino que argumentan. La obra habla de prisa, productividad y desgaste; por eso, sus símbolos apuntan a la experiencia de vivir bajo una lógica que acelera y vigila. Entre ellos, destaca un reloj que acecha, así como un diseño visual de tonos apagados.

Símbolos de prisa y opresión
Símbolos: qué se ve en escena y qué sugiere

• Reloj “que vigila”: además de representar el paso del tiempo, “simboliza la opresión de quienes viven sometidos a la lógica de un sistema capitalista regido por la velocidad, la productividad y los modelos acelerados de consumo y desecho”.
• Vestuario (Andrés Zepól): referencias del transeúnte y de una sociedad posapocalíptica; tonos apagados; zapatos que evocan el desgaste del calzado obrero.
• Escenografía e iluminación (Carolina Jiménez): exploración del concepto de “no lugar”, espacios de tránsito sin pertenencia cuya función principal es la movilidad.
• Diseño sonoro y música (Donovan Sierra): acompaña el recorrido emocional “desde la tensión provocada por la prisa hasta una sensación de liberación y transformación”.

refuerza la idea de vigilancia y opresión: además de marcar el paso del tiempo, el reloj funciona como emblema de una lógica que impone velocidad, productividad y modelos acelerados de consumo y desecho.

Este texto se basa en información pública disponible al momento de publicación, el 15 de agosto de 2026, sobre el estreno y las funciones anunciadas. Los horarios, temporadas y detalles de producción pueden cambiar con el tiempo. Para asistir, conviene confirmar la información más reciente en los canales oficiales del recinto.