Tabla de contenidos
- Pedro Pedro presenta vibrantes bodegones en Nueva York
- La técnica de Pedro Pedro en sus obras
- Temáticas recurrentes en los bodegones de Pedro
- Exposición en The Hole: ‘Table, Fruits, Flowers and Cakes’
- El desafío del espacio: necesidad de un estudio más grande
- Pinturas destacadas de la exposición
- Cakes with Watermelon and Éclair
- Paint Table with Flowers, Sandwich, Cake and Croc
- El proceso creativo de Pedro Pedro
- Influencia de la vida en Los Ángeles en su arte
- El uso del color en las obras de Pedro
- Antropomorfismo en las pinturas de Pedro
En un momento en que la pintura contemporánea oscila entre la nostalgia y la saturación visual, Pedro Pedro ha encontrado una vía propia: bodegones exuberantes, casi teatrales, ejecutados con pinturas de efecto tintado sobre lino crudo. Frutas apiladas, flores en plena explosión, mesas repletas de materiales y restos de vida cotidiana se convierten en “retratos” de objetos inanimados con una cualidad extrañamente viva.
Nota editorial: este texto se basa en el artículo de Liz Ohanesian publicado en Hi-Fructose Magazine sobre Pedro Pedro y su serie de bodegones en lino crudo.
Pedro Pedro presenta vibrantes bodegones en Nueva York
Bodegones a Gran Escala
– Quién: Pedro Pedro, pintor radicado en Los Ángeles (tras dejar Nueva York hace menos de una década).
– Dónde: The Hole, Nueva York.
– Qué presenta: bodegones en lino crudo con pintura de efecto “tinte”, centrados en comida, flores, ropa y mesas de trabajo.
– Por qué importa aquí: la muestra reúne piezas de gran escala y deja ver cómo su vida cotidiana y su estudio se vuelven tema pictórico.
El artista, radicado en Los Ángeles desde hace menos de una década tras dejar Nueva York, consolidó esta línea de trabajo en la exposición “Table, Fruits, Flowers and Cakes” en The Hole (Nueva York), presentada entre febrero y abril de 2023. Allí reunió 14 pinturas sobre lino crudo (había planeado 12) y nueve obras sobre papel, en un despliegue que subrayó tanto la escala como la ambición de su imaginario.
La técnica de Pedro Pedro en sus obras
Del boceto al efecto tinte
Materiales y decisiones (de la idea al “efecto tinte”)
1) Soporte: lino crudo (la fibra queda visible y “absorbe” el color).
2) Arranque: dibujo a tiza para fijar estructura y proporciones.
3) Color principal: Dy-Na-Flow (Jacquard), pintura para tela que el artista describe como un modo de lograr efecto similar al tinte con menos complicaciones.
4) Motivo de la elección: experiencia previa con teñido de seda en pintura de vestuario (un proceso “intenso”) → búsqueda de un resultado cercano, pero más manejable en estudio.
5) Resultado visual buscado: capas que se sienten más “impregnadas” que aplicadas, con bordes suaves y una luminosidad tipo tinte.
El punto de partida suele ser un dibujo a tiza sobre el lino crudo. A partir de esa estructura, Pedro trabaja con Dy-Na-Flow, una pintura para tela de Jacquard que, según el propio artista, ofrece un efecto similar al tinte sin las complicaciones del teñido tradicional.
La elección no es casual: años atrás trabajó para un pintor de vestuario —con clientes como Britney Spears— y conoció de primera mano el proceso intenso de teñir seda. Esa experiencia técnica reaparece ahora transformada en una pintura que parece absorberse en la fibra, con bordes suaves y capas que se sienten más “impregnadas” que aplicadas.
Temáticas recurrentes en los bodegones de Pedro
Motivos Recurrentes y Lectura Conjunta
Motivos que se repiten (y cómo se leen en conjunto):
– Abundancia: acumulaciones de fruta, flores o comida como “exceso” deliberado.
– Orden vs. desorden: escenas pulcras junto a mesas atestadas y pilas de objetos.
– Mesa como escenario: superficie donde conviven trabajo, consumo y vida doméstica.
– Flores en plenitud: ramos grandes, abiertos, casi performativos.
– Ropa y objetos cotidianos: señales de presencia humana sin mostrar el cuerpo.
– Suministros de arte: el estudio entra al cuadro como tema (y como autorretrato indirecto).
Su repertorio insiste en la abundancia y en la tensión entre lo ordenado y lo desordenado: mesas que rebosan de suministros artísticos, ramos monumentales, montones de ropa, platos que se desbordan. Son escenas domésticas elevadas a inventario emocional, donde lo cotidiano se vuelve protagonista sin perder su extrañeza.
En esa acumulación hay una lógica de estudio: el bodegón no es solo un género, sino un método para pensar la mirada, el deseo y el exceso. Pedro llena el plano con objetos reconocibles, pero los empuja hacia una intensidad cromática y compositiva que roza lo alucinatorio.
Exposición en The Hole: ‘Table, Fruits, Flowers and Cakes’
| Dato clave | Información |
|---|---|
| Sede | The Hole (Nueva York) |
| Título de la muestra | Table, Fruits, Flowers and Cakes |
| Fechas | Febrero–abril de 2023 |
| Obras en lino crudo | 14 (planeadas inicialmente: 12) |
| Obras sobre papel | 9 |
| Rasgo de producción | Piezas de gran formato que exigieron más espacio de estudio |
La muestra en The Hole funcionó como un compendio de sus obsesiones: comida, flores, herramientas de trabajo y señales de vida urbana. Pedro concibió el conjunto como un cuerpo de obra amplio, con piezas de gran formato que exigían no solo tiempo, sino infraestructura.
En ese contexto, una obra se convirtió en eje conceptual: una mesa de pintura atestada de elementos que, más que describir un lugar, describe una forma de estar en el mundo. El artista la ha llamado la “clave” de la imaginería del proyecto.
El desafío del espacio: necesidad de un estudio más grande
Cambio de estudio por escala
Cómo el tamaño de la exposición empujó un cambio de estudio (2022)
1) Encargo/compromiso: al cerrar una individual con The Hole, aparece el reto del nuevo espacio (más grande de lo previsto).
2) Límite real: trabajar en un garaje de 300 pies cuadrados (Atwater) ya no alcanza, ni siquiera para desplegar los lienzos de lino crudo encargados.
3) Criterio de búsqueda: estudio cerca de casa (no conduce ni tiene coche) → prioridad: poder llegar caminando.
4) Hallazgo: espacio en Echo Park.
5) Punto de control: asegurar el alquiler (incluida la decisión de ofrecer pagar un año por adelantado, según el relato original).
6) Resultado operativo: salto a un taller de aprox. 1.200 pies cuadrados.
7) Efecto en la rutina: el trayecto de ~40 minutos caminando se integra al día y cambia el “ritmo” de trabajo.
El salto de escala tuvo un costo logístico. En 2022, cuando cerró una exposición individual con The Hole, Pedro no anticipó el tamaño del nuevo espacio de la galería en Los Ángeles. En ese momento trabajaba en un garaje de 300 pies cuadrados en Atwater; pronto entendió que no podría ni siquiera desplegar los lienzos de lino crudo que había encargado.
Buscó un estudio cerca de casa —no conduce ni tiene coche— y encontró un espacio en Echo Park. Tras una cadena de coincidencias, logró alquilarlo y pasó a un taller de aproximadamente 1.200 pies cuadrados, a unos 40 minutos caminando de su hogar. El cambio no solo le permitió producir obras mayores: también alteró su rutina. Ya no “sale por la puerta trasera” al garaje; ahora camina hacia el estudio, y ese trayecto, dice, se volvió parte del día.
Pinturas destacadas de la exposición
| Obra | Medidas | Elementos principales | Por qué destaca |
|---|---|---|---|
| Cakes with Watermelon and Éclair | 72 × 63 pulgadas | Tartas abiertas, glaseado que gotea, crema desbordada | Lleva el bodegón a lo “teatral”: exceso, textura y una expresividad casi de personaje. |
| Paint Table with Flowers, Sandwich, Cake and Croc | 92 × 90 pulgadas | Mesa con materiales de arte, ropa (Croc), cigarrillos/encendedor, frutas (granada, uvas, cítricos), tarta rosa con frambuesa, ramo, sándwich | Funciona como “clave” del proyecto: reúne temas y devuelve la imagen al estudio como autorretrato indirecto. |
Cakes with Watermelon and Éclair
Con 72 x 63 pulgadas, esta pintura despliega una escena de repostería excesiva: tartas abiertas que revelan capas, glaseados que gotean, crema que se desborda de un éclair. La imagen no busca el realismo: busca el impacto. La comida aparece como materia sensual y, a la vez, como personaje, con una expresividad que se sugiere en el gesto del derrame y la exageración de las formas.
Paint Table with Flowers, Sandwich, Cake and Croc
La obra de mayor formato de la exposición —92 x 90 pulgadas— condensa el universo de Pedro: una mesa abarrotada de materiales de arte, prendas de ropa (incluida una zapatilla Croc), cigarrillos, un encendedor, frutas como granada, uvas y cítricos, una porción de tarta rosa con frambuesa, un pequeño ramo y un sándwich con capas visibles.
Pedro llegó a esta composición tras debatir qué debía ocupar el lienzo más grande: un ramo, una pila de frutas, una combinación de ambos. La solución fue otra: pintar algo “decadente” que devolviera todo al proceso del estudio. El resultado funciona como naturaleza muerta y como autorretrato indirecto: un mapa de hábitos, herramientas y apetitos.
El proceso creativo de Pedro Pedro
Proceso de creación por etapas
Ruta de trabajo (con puntos donde suele “atascarse” o decidir)
1) Preparación: tiza sobre lino crudo para fijar composición.
2) Diseño/planificación: imprimir diseños para la siguiente pieza cuando está en fase de arranque.
3) Construcción de imagen: pintar por etapas (capas y ajustes de color).
4) Referencia: alternar entre imaginación y collages (clip art + dibujos) como guía.
5) Chequeo de coherencia: revisar si la escena mantiene legibilidad pese a la saturación de objetos.
6) Día de pausa (parte del método): sentarse, mirar, fumar, decidir qué falta o qué sobra antes de seguir.
Sus días de trabajo varían según la etapa. A veces está en tareas previas —“tizar e imprimir diseños” para la siguiente pieza—; otras, en fases de pintura. Y hay jornadas de pausa: sentarse, mirar, fumar, decidir.
Para construir las composiciones, Pedro no depende únicamente de la observación directa. Con frecuencia trabaja desde la imaginación o arma collages con clip art y dibujos que representan objetos cercanos. La imagen se forma tanto por lo que ve como por lo que anticipa: una acumulación mental que precede a la experiencia, más que una crónica posterior.
Influencia de la vida en Los Ángeles en su arte
Reinicio creativo en Los Ángeles
Hechos biográficos y condiciones de trabajo que sostienen el “reinicio” en L.A.:
– El cambio ocurre hace menos de una década, tras salir de Nueva York.
– El propio artista describe un cierre de etapa: “su mundo neoyorquino se desmoronaba” (galería en crisis y pérdida del estudio).
– En Los Ángeles trabaja primero en un garaje y más tarde se muda a un estudio de ~1.200 pies cuadrados, lo que habilita formatos mayores.
– La rutina también cambia: el estudio queda a ~40 minutos caminando, y ese trayecto se integra como antesala del trabajo.
El traslado desde Nueva York a Los Ángeles marcó un reinicio. Pedro ha contado que su “mundo neoyorquino” se desmoronaba: una galería en crisis, un estudio del que lo expulsaban. En Los Ángeles encontró silencio, un garaje pequeño, una casa modesta y, sobre todo, un margen para experimentar sin tantas interferencias externas.
Ese periodo lo llevó a “encontrarse” de nuevo: revisar estilos previos, cambiar el tema, ajustar detalles formales. Más recientemente, el paso a un estudio independiente —y el hecho de tener que caminar hacia él— introdujo otra capa: salir “al mundo” antes de pintar, incorporar el movimiento y la calle como antesala del trabajo.
El uso del color en las obras de Pedro
Equilibrios Clave del Color
Tensiones que el color le obliga a resolver (y que definen el resultado):
– Intensidad vs. naturalismo: colores más fuertes que los reales, pero lo bastante “correctos” para que el objeto siga siendo reconocible.
– Unidad vs. separación: repetir un color (rojos de bogavantes, amarillos de limones) puede unificar la escena… o convertirla en una sola masa.
– Contraste rápido vs. matiz fino: el impacto viene del contraste, pero la legibilidad depende de micro-variaciones (rojo púrpura, rojo naranja, “rojo-rojo”).
– Gráfico vs. pictórico: referencias como emojis/clip art empujan a la simplificación; el pulso impresionista devuelve vibración y “aire” a la superficie.
El color es estructura y argumento. En piezas como “Grapes”, “Sunflowers” y “Pile of Citrus” (todas de la misma exposición), los tonos son más intensos que los naturales, pero siguen siendo inmediatamente identificables. Pedro se inclina por una paleta “casi caricaturesca” con un pulso impresionista: colores que vibran por contraste y por pequeñas variaciones internas.
Esa atención se vuelve técnica cuando enfrenta problemas específicos: cómo pintar muchos elementos del mismo color sin que se conviertan en una masa uniforme. Lo explica con un ejemplo concreto: al pintar varios bogavantes, piensa en los matices del rojo —más púrpura, más naranja, más “rojo-rojo”— para separar volúmenes. Lo mismo le ocurrió con una pila de limones: hacer que “reboten” entre sí, que se empujen y se retiren visualmente.
Entre sus influencias, reconoce un mapa disperso, pero señala el impacto de los impresionistas en el uso del color y ciertas “distorsiones”. A la vez, mira hacia fuentes contemporáneas como emojis y clip art, que se filtran en la simplificación de formas y en la contundencia gráfica.
Antropomorfismo en las pinturas de Pedro
Pedro insiste en una idea: todo tiene carácter. Incluso un pastel o una mesa pueden contener una “cualidad viva”. Esa postura se traduce en un antropomorfismo sutil, a veces humorístico: en “Plates with Oysters, Lobsters, Fish, Sandwiches and Charcuterie” aparecen expresiones casi perplejas en peces y crustáceos; en otras obras, los pasteles parecen “llorar” glaseado.
El origen puede estar en su propia biografía pictórica: en sus veintes pintó casi exclusivamente figuras, y sospecha que esa formación empuja hoy sus bodegones hacia lo retratístico. Su objetivo, dice, es tensar la línea: que una naturaleza muerta pueda leerse como un retrato —incluso como un autorretrato— sin dejar de ser, literalmente, una mesa o un plato.
Contexto de publicación: la pieza original apareció en Hi-Fructose Issue 67.
Este tipo de lectura —centrada en procesos, materiales y cultura visual contemporánea— forma parte del enfoque editorial del blog del Museo Soumaya, donde seguimos de cerca noticias y escenas del arte internacional.